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剧照
详细剧情
影片讲述玻璃匠夏尔洛（查理·卓别林 Charles Chaplin饰）和弃婴（杰基·考甘 Jackie Coogan饰）之间一段笑中有泪的感人故事。夏尔洛在垃圾箱旁发现了一个弃婴并收养了他。等到孩子长到四五岁的时候，就已经非常懂事。两父子合演双簧，儿子打碎玻璃，父亲就上 前更换玻璃从而养家糊口。夏尔洛带着“儿子”躲避警察的追捕，以免他被送入孤儿院。可孩子的母亲后来有了钱，悬赏找回孩子。有人为钱把孩子从夏尔洛身边偷走，他四处追查也没有找到。疲惫的夏尔洛在梦中来到了天堂。一觉醒来的他，居然发现“儿子”跟他的母亲就站在自己的眼前…… 本片在1978年巴西《标题》杂志评选的100部最佳影片中名列67。
长篇影评
1 ) comedy and tragedy
默片可以看着睡着，也可以看得津津有味，卓别林的《寻子遇仙记》不言而喻是后者。由于语言的缺失，默片必须要在逻辑上合情合理才能降低观众理解的难度，表情和行动上的演绎要比较夸张才能产生较好的效果。
有人形容卓别林影片叙事非常“活跃”，这个评论的用词真是再贴切不过。《寻子遇仙记》中最主要的是“捡子”和“夺子”两个段落。“捡子”的场景仅拘于两三条马路中，一辆婴儿车，一个垃圾桶，几位·行人、一个警察和卓别林饰演的流浪汉来来回回的登场出景，把一个流浪汉偶然发现弃婴、想方设法丢回去却失败了、在襁褓中发现了母亲的留言、瞧着婴孩长得可怜可爱、转变想法收养婴孩，到正式赋予他一个名字“John”，这父子关系在极不合理的身份下又急合理的定了下来。这一段“捡子”如果单独拿出来表演，也是绝佳的“小品”。相当有趣。
影片中有趣的片段相当不少。比如卓别林养育孩子过程中的心灵手巧，自制悬空的吊篮，茶壶插上奶嘴变成了奶瓶置于John触手可及的地方，餐椅座位挖一个洞变成了便盆，毯子剪一个洞头套进去当作袍子穿……穷人的孩子早当家，John从小就会摊饼做饭，还跟着流浪汉一起出去“做生意”，John负责对着人家窗户玻璃扔石子，流浪汉则负责修缮收钱，这就是他们养家糊口赖以生存的小伎俩，滑稽又心酸，这个段子的概念也被不少后人借鉴改编使用。
卓别林说“Life is a tragedy when seen in close-up, but a comedy in long-shot. ” （用特写镜头看生活，生活是一个悲剧，但用长镜头看生活，生活就是一部喜剧）电影中“夺子”一段充分反映了这种close-up tragedy。John被从流浪儿身边带走，分离时孩子号啕大哭着向爸爸伸出手，可是他坐的车已经被开走了，另一边流浪汉被人按住无法挣脱……西方这种宁可把孩子放在孤儿院，也不能留在父母身边的做法实在让人恼，难道父母一定要有完备的证件证明亲生父母吗？难道父母一定要性格完美无缺吗？这些都可以超越父母孩子之间的亲情吗？当然这种制度也能帮助某些孩子逃离虐待他们的“父母”，拐卖他们的“父母”，还有那些有严重陋习无法给予他们爱和照顾的“父母”。这其中保护的比例应该还是高于伤害，只是电影更多地瞄准了伤害的故事。
片名《寻子遇仙记》也源自于结尾流浪汉梦中入仙境的一段描述，回忆起来这段基本占了影片的四分之一之多，梦醒后John已经回来了，母子相认，父子重逢，也特别符合long-shot comedy。其实这也是卓别林的梦吧，人活着还是要依靠梦想的，虽然我们知道现实是颠倒古来的，Life is a comedy when seen in close-up, but a tragedy in long-shot.
后记：之前偶然看过卓大师的生活照，虽然身量不高，但是五官整齐突出，也不失为美男子。只是他的内心更美，完全不介意为艺术追求牺牲形象。
2 ) 遇仙梦境与符号学
在卓别林1921年的影片《寻子遇仙记》中，梦境的出现，是一种符号学中形式上的隐喻和象征: Innocence无罪（孩子的母亲偷尝禁果，孩子被遗弃，孩子是无辜） Geting flighty变得轻浮（当时的社会背景下的人） Jealous嫉妒（自私的爱，这里并不是贬义，而是指卓别林饰演的角色不能接受失去孩子) 这一幕最后男主被子弹击落，倒吊的姿态，在自家门前并且消失，这是一种电影符号学中的隐喻:男子反绑的双手呈三角，双腿交织成十字，背后圣洁的翅膀与坠落的羽毛，拼在一起形成了西方炼金术中的一个炼金符号，预示着伟大事业的完成，同时也暗含了由低层欲望向道德升华的过程。 这一幕寓意男主完成了精神上的升华，脱离的那种自私的爱的境界，能接受了孩子与亲生母亲相认的事实，从而升华，成为了一种大爱的境界。 《寻子遇仙记》片名其实就是三重含义， 一是孩子得到了照顾，被挽救了生命， 二是母亲没有永远失去孩子，弥补了遗憾。 三是流浪汉捡到了孩子，在漫长的孤独岁月里，得到了一丝温暖。 遇仙，就是遇到了善良的人。 人性，也在脱离了狭隘的自私后，变成了一种超凡脱俗的神性。
3 ) 愿拥有善良贯彻的爱
卓别林主演的黑白电影。卓别林相对于我们这一代而言，也可谓是从小就听说的经典人物。小时候电视上常常有放他的搞笑默片，在学校，老师也有放过他的电影。很多片段都是十分逗趣。没有台词，全靠演技。他外八、拿着拐杖，带着帽子的形象实在太深入人心了。
这部影片则是在逗趣的同时还充满感动。
总有那些不负责任的父母，生儿却不养儿，随手抛弃。有的更甚是等到孩子大了去寻亲，说是这么多年来自己有多不容易，有多悔恨。这对养父母来说无疑是残忍的。
影片中可爱的小男孩便是被母亲抛弃。阴差阳错的被卓别林收养，虽然当初极不情愿，但几年的相处，他们已形同父子。小男孩很懂事，他们的感情也很好，拥有默契。
小男孩会早起给卓别林做早饭，会去偷偷砸别人的玻璃，卓别林就在后头给人修玻璃来挣钱。他们一起逃脱警察。当男孩被欺负，弱小的卓别林依旧挺身而出。他们生活的不富裕，但观众一定能感受他们相处的美好。在男孩被发现不是其亲生，剥夺在卓别林身边的权利时，那场追踪，那个又相聚的时刻，真是令人无限感伤与动容。
男孩与母亲意外的认识且相认。很神奇，只是一次分发儿童礼物的时候意外的相遇了。而后又莫名的得到了当初男孩衣服里的纸条。希望男孩的母亲是一个感恩的人，能时刻让他们“父子”团聚，让孩子感受真正的关心与爱护。
影片里还有一句打出来的话让我印象深刻：慈善对某些人来说是义务，对另一些人来说则是喜悦。总结的很棒，有些慈善家并不是真心做慈善，而是提高名声，提高社会地位。在他们的状态，钱已经满足不了他们，钱已经是次要的了。但每一次的“施舍”却是穷人能够开心一阵的事。
不过不管那些做好事的人是真心或是虚伪，都是某一些人的福音，也不用去批判别人的目的性，也不过多的去恶意揣测别人，就相信这个世界好人多过坏人，相信这个世界是充满爱的吧！
毕竟你是个什么样的人，你眼里看到的世界就是什么样的~
4 ) 所有的文化里都有卓别林
卓别林之所以比张大民耀眼无数倍，一是因为机遇，他作为优秀的哑剧演员恰好赶上了默片时代的辉煌期。时代造就了他，而且他正好也顺应了那个时代的诸种诉求。
另一个，由于默片没有语言，天然的拥有无国界性质，随着各国文化的交流，超越界限的东西总是首先被人理解和接受。
反过来说，张大民则是作为中国改革开放初期，京味市民文化的一个虚拟人物。虽然同样是微笑含泪，但卓别林是活的，他虽然不能张口，但可以用肢体模拟各种人物，包括为人津津乐道的“黑特乐”，塑造的类型越多，越有可能成为传奇与不朽。而张大民虽然拥有一张贫嘴（却也只有一张贫嘴而已），但他永远只能是张大民，给观众带来的欢笑与泪水总是在这同一个名字背后，不管是冯巩还是梁冠华来扮演。
但是，卓别林和张大民代表的是同一个阶层，他们的生活也是那个阶层的真实生活遭遇，而这个阶层是每个民族每个国家都具有的，正是这个被贬损被侮辱被压榨的阶层构成了一个社会庞大的中下层基石。
说了一摞废话，无非想证明，所有区域性文化里都有卓别林，但近100年唯一被我们熟知且铭记的，是那个英国佬卓别林。所以，不论他死的多么凄凉，但从这方面讲，他十分幸运。
再就本片说一下。
《寻子遇仙记》这个片名翻译得很好，显然译者看懂了影片想要说什么、在说些什么。虽然整个故事大部分都在写实，梦只占结尾一小段（相对全片来说），但那个时候连席德.菲尔德他妈在哪都没人知道，自然也就没有好事者来规定电影“一二一”的结构。
故事看似讲一个苦人救孤记，但是却在绕着弯说这个“吃人的社会”。这段梦，放在玻璃匠（卓别林扮演）完全绝望之后，也可略见创作者的用意——既然现实让人如此绝望，那就在梦里寻找安慰吧！
而这个安慰的梦却又是一个另外的地狱，陋巷变天堂，所有人其乐融融，没有悲伤和贫困。但天堂也最终也受罪恶侵蚀，勾引、天真、嫉妒、暴力，这一切杀死了刚刚变成天使、得到所谓永恒欢乐的玻璃匠。既可以说这一段是对玻璃匠前面遭遇的总结和再渲染，也可以说是卓别林对美国那时糟糕的生存现状的由衷之言。
这个世界不是什么好的地方，只是我们已经在了这里。
我们的存在不因我们的意愿，而因为存在的就是要存在。
5 ) Chaplin是个纯真的家伙
总觉得Chaplin对于宗教的态度经常是矛盾的，电影有好几处对于宗教颠覆性的描绘．电影开头，当一个女人生下自己孩子，却被孩子的父亲遗弃，离开慈善医院后，怀抱着刚刚出生的孩子不知天下何处可以容身．忽然电影画面出现上帝背负着十字架的镜头，这实际上是颇令人震惊的，因为在西方电影中，上帝很少是以女人的象征出现．
结局的＂天堂戏＂，确实是让我有些迷惑的，贫困潦倒,且失去了生活中唯一精神依托的"儿子"的夏尔洛睡梦中来到向往已久的天堂，但天堂似乎也不是一个清净之地，也免不了魔鬼的滋扰．但天堂毕竟是天堂，不同于充满烦恼和痛苦的人间，总体上还是比电影中的"人间"多几分快乐的,Chaplin最终也是通过这场＂天堂戏＂连接到了一个喜剧性的结尾．
我想Charles Chaplin和许多西方人一样，对于上帝的看法是很复杂的．就像那个在电影中信奉上帝教诲＂当别人打了你的左脸，你就把右脸凑上去＂的大汉，最后除了右脸继续挨打之后却什么都没有得到．我想 Chaplin想要说的是，上帝让人们在凡间甘心情愿的忍受精神和肉体上的种种痛苦，却不在我们听从了他的教诲之后解救人类．
但作为一位西方人，他归根到底还是一位忠诚的教徒，所以他才会让夏尔洛虽然生活贫穷痛苦，却依然不望在餐前祈祷感谢上帝对自己的恩赐．
其实Chaplin电影的最大魅力在于，他本人出自内心毫无虚假的纯真，所以当我看着电影中＂孤儿收容所＂的人把夏尔洛的＂儿子＂抢走后，我感到自己眼眶中含着泪水，当夏尔洛把自己的＂儿子＂抢回来后，我破涕为笑，但这笑中却分明又带着泪，因为我们知道这是弱小对抗强大的胜利，这是卑微对抗强权的胜利，这种事情在现实生活中几无发生的可能．
6 ) 68分钟版多出的内容
豆瓣记录了《寻子遇仙记》的两个版本——68分钟的原版和51分钟的DVD版，但是根据IMDB上的信息，这部电影应该有五个版本，除了上述两个之外，还有：54分钟的德国版，50分钟的1971年重剪版和53分钟的英国再发行版。我最开始看的是53分钟的版本，后来又找到了68分钟的原版，经过比较，我发现原版确实多出了几段内容：
第一段在接近第4分钟的地方，紧接着渣男烧掉女主照片的剧情：女主抱着孩子，走过一栋别墅，别墅正在举行一场婚礼，一对新人手牵着手走了出来，女主惆怅地向那对新人望去。
第二段在大约第12分钟的地方，紧接着夏尔洛坐在路边经过一番思想斗争后决定收养这个孩子的剧情：女主站在一座桥上，黯然神伤，懊恼不已。旁边恰好有一个别人家的小孩子在玩耍，小孩子玩着玩着跑过去抱住了女主的腿，女主十分惊喜，以为自己的孩子回来了，连忙抱起，这时孩子的母亲走过来，从女主手里把孩子接走了，女主大失所望，几近抓狂。
第三段在大约第30分钟的地方，讲了女主和渣男的再次相遇：渣男当时已经成为了一名享誉盛名的画家，有一天他去参加一场宴会，不巧在宴会上碰见了女主，两人都在第一时间认出了对方，场面十分尴尬。在女主独处的时候，渣男走了过去，向女主道歉，并且表示愿意赔偿女主的损失，女主表示，已经太晚了，除非我能找回自己的孩子。
这三段加起来其实也只有5分钟左右，至于原版除去这三段为什么仍然多出10分钟，我认为这应该是由影速度的差异造成的，默片时代的影片放映速度一般来讲是比现在慢一些的。
7 ) 如此敏锐的话题在100年前就被卓别林琢磨透了！
《寻子遇仙记》是查理卓别林早期的作品，但是题材的现实程度丝毫不过时，在那个还是默片的时代，卓别林运用巧妙的电影技巧，把领养儿童的状况以及会遇到的一些现实问题明明白白的告诉观众，其实也从侧面向当时的英国政府提出了相当现实的社会问题，从这一方面来说，卓别林更加无愧于伟大！
电影中的缩放镜头，以及最后天使出现时的飞翔的镜头都大大出乎意料，在那个还是电影的石器时代，卓别林也开创了很多引领时代的电影拍摄手法，而他独有的幽默细胞依旧被现在的喜剧电影争相模仿，卓氏经典动作依然被无数次致敬，电影这门艺术的发展离不开卓别林，离不开那个电影蛮荒时代坚持不懈努力的电影导演和演员们！
无愧于伟大…
8 ) 哑剧靠什么取胜？
一次影史的短暂回望
1. 这是卓别林第一次尝试的无声长片。在他之前更早期的电影是作为一种记录工具而存在的。在电影这项人类伟大的发明诞生之初，它被用来大规模地传布戏剧艺术。相较于传统室内舞台表演，电影的优势非常明显：它能囊括一些真实舞台剧里不可能出现的场面，例如自然。这使得“拍下来的舞台剧”有了另一番广阔的表现天地和巨大的观众市场。很快，在这新的屏幕世界里又出现了前所未有的新角色——儿童和动物，都讨人喜欢且能引人发笑。所以，电影史上元老级别的明星有：百代公司的海豹，阿尔萨斯的名狗，以及本片的天才小演员Jackie Coogan.
2. 哑剧电影由于技术所限舍弃了台词，或者仅在必要处给出无声的提示来推动情节。想要博观众一笑，必须依靠诙谐直白的人物表情、夸张的动作设计和巧妙的场景布置。尤其是动作这一块，必须有力、粗放。因为当时没有特写镜头，表现不出细致的情感。所以默片时代的哭一定是用力地嚎啕，不可能是昏暗房间的角落里坐在椅子上的女主眼角里慢慢流出一滴寂寞的眼泪。
3. 粗线条的动作设计，给当时的电影带来了一种新艺术形式，即“打闹喜剧”（slapstick comedy）。这种喜剧形式在电影还处于襁褓时期就已经诞生了。原因是当时电影的镜头和舞台剧的场面是一样的，都是全景，演员们必须使用夸张的手势好让坐在远处的观众也能看得清。今天如果喜剧演员们这么表演一定会被讥笑用力太过，但在当时，初期电影的种种缺点（如：无声）却由于哑剧表演的滑稽而成为一种喜剧风格。这种风格贯穿在卓别林的整个电影时期，尤其是早期的电影（如本片），颇能见到“打闹喜剧”的影子。打，就要跳起来打。被打，也有必要原地爱的魔力转圈圈。看上去很像在看一部动画默片。笑点也由此产生。
4. 早期电影不设置复杂的剧情，有时甚至为了炫技，而会画蛇添足地刻意添加一些与情节无关的桥段。如本片末尾的梦境，加入了“吊威亚飞行”，“人物突然消失”之类的设计，让当时的观众眼前一亮，大大发掘了电影的想象力和可能性，不禁让人想起早期的“电影魔术师”乔治·梅里爱。
卓别林早期的喜剧影片都具有极强的社会批判效应，从这个方面说卓别林不仅仅是一位喜剧大师更是一位现实主义大师。他影片中的流浪汉夏洛尔总是生活在生活的最底层，和上流社会永远格格不入，却总保持着一颗乐观善良，乐于助人的赤子之心，苦中作乐却从不怨天尤人，难怪年纪越大看卓别林的电影越有感触。
说个扯淡的一点：卓别林在一百年前就知道煽情的度，决不泛滥。看他饰演的角色和儿子的互动，踹来踹去，小偷小摸，真正底层父子的状态，无比真实。就这么点儿简单的意思，现在反而不敢拍。
1921年电影才诞生不到30年，就已经有吊威亚的技术了呢。大师塑造的角色都是把闪避技能点满，真的太好玩了。而大师之所以为大师就在于他真的足够悲天悯人，且并不避讳展现一些小人物上的缺点，又通过自己的绝对魅力消解这些缺点带来的负面影响，反而演化成可爱的成分，最终体现出足够高度的人文主义关怀，且始终带着对资本主义社会的尖锐批判。梦境那段也算是神来之笔了，结尾给了圆满结局，只是按夏尔洛一贯倒霉悲催的运气来说，如果接着脑补下面的剧情，估计还是会很悲剧吧。最近公布的新生儿数量再次下降，当城市里的人为了培养下一代而努力挣扎，农村里的人则为拥有下一代而不断挣扎，我们作为人，请善待我们的后代。
卓别林首部长故事片。招牌式的笑中带泪，以流浪汉收子寻子的过程折射贫富分化及人情冷漠的社会问题。与傻大个打架让人忆及[城市之光]拳击戏，只不过后者是利用裁判或紧抱等方式“智躲”，本片是眼疾手快的“明防”。天堂里也逃不脱魔鬼的骚扰与警察的追杀，这个高潮很有想法。撕斗中的碎羽毛（8.5/10）
【B】小男孩演技好棒！虽然我看到最后才看出原来这是个男孩…………
四星半。令人心碎的不是的生活，而是那些被夺走的爱。
以巴掌落空與快動作營造喜感，悲喜穿插扇動觀眾情緒，夢境反映現實更顯奇趣——電影的語彙與經典編排，在九十多年前就已建立。
劝人向善、让人心生温暖和感动的电影！若拥有一颗有爱的心，就算生活贫困，也总会有惊奇的际遇伴随，快乐着直到圆满。
几个桥段，一个砸玻璃，一个修玻璃，嘿嘿，父子两演双簧维持生计，倒也是人间喜剧。1921，这片子快100年了。都是表达对底层小人物的同情、怜悯和尊重。卓别林是真正的人道主义大师，有种刻进骨子里的慈与爱。8.9
失去了亲人,却找到了天使.给社会下层人民梦幻般的力量,魔鬼的出现以及主角被警察带走等场景又给电影增加了一丝绝望的阴影。 喜融于悲，悲反衬喜;悲喜结合，恰到好处
A picture with a smlie-and perhaps,a tear，Chaplin为自己的电影作了最好的注解。他深知动荡不安的疾苦，于是用胶片为所有无家可归的人筑出一个梦。看他的片子很难不哭个底儿朝天，或者是因为滑稽幽默和他的一双大脚，或者是因为他总是漫不经心的就道出辛酸血泪。只有他才配得上悲剧之冠，喜剧之王。
第一部长片就这么完整、笑中带泪，卓别林才是真正的天才啊。前10分钟真是把我秒杀了。这种不用言语就能表达的快乐，现在真的是越来越少了
这大概是我这辈子看的最古老的电影。这部电影完美的诠释了经典，就是百年之后仍有的共鸣。
修复版，不长却余韵悠长。喜欢这个令人安慰的happy ending，不像《城市之光》的结尾那么心酸，流浪汉夏洛在尝尽人间冷暖后终于迎来了难得的慰藉（与小宝贝团聚还有美人相迎）……话说把“弃婴”这个原本沉重的题材拍得有趣好玩又笑泪交织的，恐怕世间也只有卓别林一人可以做到了吧？最后对梦境的妙用也增强了艺术感染力。诚如开篇提示说的——好的喜剧真真是令人笑中带泪的。
后来，卓别林不用开头耶稣背负十字架那样的象征镜头，也不用结尾那样嬉闹的梦了。
而且好像不止一次。。。。地哭了。我最好的卓别林。
虽说笑中带泪，喜中含悲，可默片到底更适表喜，而不善释悲。因为电影（无论有声默片）中的笑声，通常是指观众的反应，角色自己并不发笑。悲却不然。苦戏几乎都是先发于内，后及于外。很难想象角色未放悲声，观众就已啜泣连连。默片偏偏无声！等于缺失了银幕上下互动机质中的重要一环……基于此，旧影回眸本片会更喜其“喜”：1一旦抱起就再也甩不掉的婴儿（自荣兼自贬）。2借邻铺的睡手摸出自己身上最后一文钱（苦中作乐）。3父子携手打弹弓修玻璃。只是破窗的人家招谁惹谁了？……发现没有，以上三款还有一个共同点：即使搁在有声时代，它们也几乎都是沉默无语的角色行为，也就意味着扬长（喜）避短（声）的功效发挥到了最大！
感人，真挚，细腻，而幽默则被放在了服务其他主旨的位置；同时，卓别林也使用了蒙太奇作为烘托气氛的工具：孩子被警察带走时，流浪汉的挣扎和孩子的哭泣是一段伟大的剪辑和表演；但开始背负十字架的基督叠影和最后遇仙的梦境显得和影片本身格格不入。
戏剧化的故事，却因动人的情感而显得如此真挚又真实：起初的无力饲养而想方设法不要孩子，却阴差阳错再度孩归捡主……蛮巧妙的设计；男孩长大，他破坏玻璃窗，而养父却若无其事地为人修玻璃窗赚钱……有意思的安排；当男孩差点被抢走时，养父奋不顾身地抢救……似曾看过？……经典佳作，满满的魅力！
生活一贫如洗，乐在其中；父子情深动人，苦尽甘来。