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1 ) 天才一族 简评
二维平面化的机位和视角构成了一种仿佛绘本和童话般的镜头风格，同时整体的暖色调以及对一切精巧有趣玩物的捕捉(玩具、宠物等)加强了这种“纯真孩童风”
不仅是从元素上，而是从视觉逻辑上构建出了一个非成人的“儿童”世界(“看”的逻辑，元素被呈现的“幼稚”逻辑)，但世界中的人物却是远超一般人的成人(角色标签的丰富性)，也并不避讳甚至夸张谈及性、爱、死亡、暴力、精神问题等主题，从而反向突显了成人世界本身的残酷
当这种残酷被凸显，我们才发现所谓的“孩童风格”就是一种赤裸裸的遮掩，是充满情感问题的成人面对自我残缺时的羞耻掩盖，以及无法处理一切的神经质感慨，没有成人和孩童的划分，或者说，这里的成人都是无能为力的孩童，当历经千回百转获得幸福的时刻，就是他们长大的时刻。
也在此时(结尾撞车戏)，镜头终于有了突破“孩童风格”的意识，有了空间感，立体了起来，二维平面被打破，电影从形式本身的改变中得以获得向前的动力，奔向幸福的结局。
2 ) 掉入影像构成的“小说世界”
《天才一族》（2001）作为韦斯·安德森导演生涯的第三部长片，相比之前的《瓶装火箭》（1996）、《青春年少》（1998）更有其日后逐渐成型、具有辨识度的个人风味。 就像开启一部以Tenenbaum家族为叙述对象的小说，眼前不断累加、跳跃的时空常以小说某一章节的首句作为“抬头”，如同带领我们进入另一世界的咒语，赐予你我在阅读边界、坠入幻想之际的奇妙感受。然而此刻我们享受的并非个人想象力的结果，而是富有创造力的安德森独特、别致的美学产物，这也是这一形式不可忽视的精华。
这种虚拟的沉浸感一开始就不打算制造模拟的“真实”，反而在虚拟和真实感之间找到了平衡。
《天才一族》既保留了人为制造的种种形式精美，也饱含着促使我们动情的家庭滋味——在“Happy sad”式的结局里，我们见证了这一家在一番折腾之下，终能比以往更互相了解与宽容相待，但破镜往往难以重圆，他们只能带着幽默感，原谅过去，接受现在，成全彼此，然后继续生活。
3 ) 糖纸包裹的破碎人生
0 Let's Shag Ass
1 导演
韦斯·安德森，想必对摄影抑或是美术感兴趣的影迷都对他并不陌生。前后获得过共计七次奥斯卡提名奖，其中《布达佩斯大酒店》更是将当年的奥斯卡最佳影片奖、导演奖和最佳原创剧本奖的提名收入囊中。韦斯的电影个人风格以其画面上明亮的色彩与对称的构图、叙事上多与童稚和离经叛道相关的情节、重复出现的演职人员和不时出现的男声旁白、出色的配乐而强烈又气质独特，只要看完任意一部，再看其他韦氏的电影，都能很清晰地从他的个人风格辨认出他的作品。
值得一提的是，我们在用颜色传达心情时，无非是以冷调表现悲伤、忧郁的情绪，抑或者认为橙色、黄色本身就象征着明快与愉悦，但韦斯却利用颜色原本带给人的印象，传递着与其截然不同的情绪。
《天才一族》中，Tenenbaum一家都或多或少拥有怪诞的性格和精神创伤或疾病，但整部电影的色调却一如情景式家庭喜剧版明亮而温馨，很容易让观众在一开始忽略其主角们的心理问题。恰巧是这种感官情绪的反差感，将韦斯安德森的电影用一层鲜艳的膜包裹住，戳破之后，里面流淌出来的皆是在一个糖果般的童话世界里拿着自己的黑色幽默与或是童年创伤、或是战争、或是死亡作斗争的角色们。
他们如《布达佩斯大饭店》中的古斯塔夫先生，在严肃的时刻冷不丁冒出一句脏话，与平日里温文尔雅措辞讲究的形象大相径庭；
又如Margot Tenenbaum，在数十年如一日的看似单调的生活里，藏进浴缸小小一隅，在内心世界里翻滚着叛逆自由的欲望；
抑或是《青春年少》中早熟的挂科少年麦克斯·菲舍尔在约会上破口大骂。
韦氏电影的内核，是在荒诞的世界里，戏谑而活。
2 叙事
无疑，《天才一族》讲述的还是韦氏熟悉的家庭情节，一个被人津津乐道的天才家庭，三个孩子各有所长：大儿子Chas擅长金融财政，二女儿Margot自幼成为著名剧作家，而小儿子Richie则是网坛冉冉升起的一颗新星，十七岁时改行成为赛车手也能连续三年夺冠。就是在这样一个看似教子有方、儿女年少有为的家庭中，实际上存在着不小的根结和隐患。
主要问题出在一家之主，本片的主角Royal Tenenbaum身上。
他玩世不恭，在四十五岁时突然宣布与妻子分居而住进酒店，影片中却并没有解释他这样做的缘由。他的妻子Etheline独自抚养三个孩子长大，在他们身上倾注的太多关心，也使得三个孩子的性格逐渐变得幼稚、孤僻或敏感。
在用短短十分钟不到的时间里在开头交代完所有的故事背景、用几个镜头塑造出完整鲜活的人物形象且演职人员都交代得一干二净后，立刻出现在屏幕上的“Chapter 1”，直接给出观众信息：故事进入正片，好戏刚刚开场。
以Royal为了重新感受家庭的温暖，假装得了胃癌而要求重回旧宅与家人们居住作为触发点，一系列重逢、矛盾、争吵与和解应声接踵而来，一个接一个，在Royal这一经历岁月洗礼而成为“外人”的角色的干预中，如同一潭死水终于有了浮沫上搅动的一根树枝，重又焕发出家的生机。
一个理想的家庭不会全是完满的团聚与幸福，那些掩藏在渐渐滋生的隔阂下方的、自不知多久前就早已悄然埋下了的悸动、遗憾与执念，在自杀未遂后儿时的帐篷里睡袋旁，在一次意外的并未造成太大死伤的车祸中，被一一重新唤起。以一个童话般的结局收束全片，Royal是触发器，最终也通过一场葬礼，让整个家庭重又聚在一起。
叙事上，导演选择了时间顺序+插叙这种常见的叙事手法。但插叙也并非中规中矩，其中在讲述Margot的过往时，导演采用了Margot的配偶寻找到了侦探，他翻开调查报告而向观众娓娓道来的表现手法，像是嵌套在小说中的又一个微缩版小说故事。辅以不时出现的男声旁白，看韦氏的电影，常能感觉到他叙事，尤其是插叙的动人感。
韦氏在电影中一些叙事的小细节也值得注意。在《天才一族》和《布达佩斯大饭店》里，都有出现类似这样的“章节”们。
在过场后的下一秒种，就是这里描述的Royal进入酒店大堂，询问百科全书在哪里的镜头。
这种分章节叙事，类似于将剧本嵌入电影中的格式，使得电影更有逻辑，观众看起来也会更加明晰。也是自认为韦氏电影中很可爱的小亮点。
3 角色
韦斯安德森电影中有太多角色有着或严重或轻微的心理问题，且大多与童年经历挂钩。童年，不太圆满幸福、过于早熟的童年，在所有人身上都留下了不可磨灭的创伤。
拿Chas举例，由于妻子在事故中丧生，也由于父亲在童年游戏时的一粒子弹，Chas的心智实则始终停留在了孩提时代。他选择不去面对长大成人后的世界，对于自己两个孩子也是严苛训练，其实是将父亲原本施给他的大条关心，原封不动又以一种更加神经质的方式施予他的孩子们。
颇为有趣的的一点是，寄予厚望的两个孩子最后反倒是与他们被老爸痛恨的玩世不恭的祖父玩到了一起。
Ches小时候养的达尔马提亚小鼠，贯穿整部电影始终。或许它象征着Ches孩提时代的天才一面，但这也成为了他的桎梏。当Royal回到家中，Ches与他关系僵硬闹别扭的时候，他的小鼠却常常徘徊在Royal的病榻前，暗示着Ches其实还是渴望着童年那点稀缺的父爱。
而最后，在哽咽着和父亲说出那句“I’ve had a rough year, Dad”的时候，想必他也是在看到父亲为了补偿他、补偿一家人而作出的努力后，受到触动而最终接受了抒发情绪、学会长大这一事实吧。
4 美术设计
既然说到韦斯安德森的电影，一定要提一提他电影中的美术设计。
《天才一族》的Production Design，David Wasco，曾经负责过《低俗小说》《爱乐之城》《杀死比尔》和《落水狗》等电影的美术设计，凭《爱乐之城》拿下了第八十九届奥斯卡的最佳美术指导。场景设计则出自Sandy Reynolds-Wasco之手。
随着拍摄的电影数量的增多，韦氏也逐渐建立了一种高饱和度（Saturation）、多用原色（色相 Hue）且明亮（亮度 Brightness）的美学风格，而他的电影中如果出现了低明度的场景，则能使得观众很明显感觉到压抑的环境带来的情绪的转变。
用明快的色调形成鲜明的对比，根据导演风格和情节需要作出相应的调整，在《天才一族》中，我们能看到色彩选择和场景设计上的独特之处，通过一个人的房间来反映出一个人的个性。
首先是Ches的房间，采用了红+白+灰白方格砖这一色彩搭配，有种稳重、典雅的味道。
为了满足Ches工作的需求，房间正中央靠窗的地方摆了一张上有咖啡机、电脑、台灯和电话的工作台，灰色与Ches身上的西装相呼应。
以及靠墙的四层看上去比小Ches还高的资料架。这一系列家具装潢风格，本不应该出现在孩提时代中，却在Ches的房间里变得随处可见，彰显Ches作为孩童早熟的一面。
接下来是女儿Margot的房间。Margot个性孤僻且古怪，门上散发着浓浓历史气息的古代人头为后来她和弟弟去博物馆露营作了个小小的铺垫。三处写着“不要打扰”“保持房门关闭”和“请勿入内”的标签以及门上无数锁孔和一把红色的锁，象征着Margot内心的封闭，也不难解释为何她后来会把自己成天锁在浴室里抽烟看电视。
家具的选择和室内装潢同样非常复古，在对称构图中背景里左右墙饰不同、左侧台灯比右侧蜡烛和收音机要大，在秩序感中增加了一份动感。黑胶机就放在床边，Margot平日里应该常会听歌来找寻写作灵感、释放内心情绪。
图书馆的装潢也相当好看。三分法构图，Margot在最左侧，右边两格都是书。
最后来到Richie的房间。相较哥哥姐姐，Richie的房间用色更加明快大胆，撞色使用的频率更高，主要涉及到棕色、青蓝、靛蓝和抹茶绿等颜色——Richie也是三人中自幼被Royal关爱最多的一位，在三个孩子中最像一个普通儿童在这个年龄段该表现出的样子。
墙上有着Richie的灵魂画作，和父亲还有奖杯的合影，也暗示了父子的关系相较其余二人融洽许多。壁柜上玲珑满目的奖杯，除了好几只上面的小人都一样，其他没有一尊是重复的。
地上双色的圆形网球使得整幅画面活泼了起来。
地毯花纹采用了非常大胆的蓝绿撞色，弯折的纹路使得整个房间从头到脚都充满了童趣。
舞厅的墙上挂满了Rickie画的姐姐，两人的情感关系在影片开场五分钟已不言而喻。
除了布景和颜色，角色的服装也能很好反映出他们的性格差异。
依旧是影片开头，三小只在与父亲对峙时分别穿了条纹Polo衫、西装和棒球服，对应三人剧作家、金融家和球手的身份。而这样的穿衣风格在长大后则或多或少发生了变化，尤为明显的是大哥Ches，长大后的饰演者Ben Stiller全片就两件运动服，款式完全一致，除了在父亲葬礼上穿了黑色，其余时间都是一身红，随着年纪增长，反而穿得越来越孩子气了。
本片服化主要分别出自Karen Patch和Naomi Donne二位之手。服装设计秉持了韦氏全身上下统一颜色的风格，如全身红色、黄色或是紫色。在《水中生活》中船员戴的红色圆帽，《穿越大吉岭》中的红色车辆，《青春年少》里Max的红色帽子以及Ches始终如一的红色运动服和卷毛，以及他卧室中非常孩子气的装潢和墙上的贴纸，这些角色的衣着配饰都带有红色这一元素，也都是他们在时代洪流中停滞原地、需要解决成长中不同问题的象征。
而Margot长大后的朋克穿衣风格——一身长款皮草大衣，爱马仕的Birkin包，内搭蓝色连衣裙，齐肩短发配大红发卡，再加上一下子增加了她身上不羁感的烟熏妆，漂亮地衬托出她孤僻古怪的气质，也俨然成为了时尚圈近些年来不少品牌竞相模仿的穿搭范本。
5 配乐
韦斯安德森的配乐选择其实很old school，有许多来自六十年代的音乐作品。而《天才一族》中则出现了《Hey Jude》，《These Days》这样的为故事情节作渲染的画龙点睛之笔。
These days I sit on corner stones
And count the time in quarter tones to ten
Please don't confront me with my failures
I had not forgotten them
在Nico的歌声中，阔别许久的年少时的心上人从不远处走来，微风拂过，发丝飘动，这种恰到好处的情感，被配乐烘托出了微妙而又浓稠的氛围。
韦斯安德森在《天才一族》中也使用过古典音乐，比如在Eli和Richie见面时，他们谈话时的背景音乐就是萨蒂的《Gymnopedie Nr.1》，用在此处，有种古典音乐独有的秩序感，与Eli其人吸毒、开车撞人等一系列行为，形成了极大的反差和戏剧张力。
当然，也有不失活泼雀跃的拉威尔的弦乐四重奏，班卓琴的使用使得本就鲜艳的画面变得更加清新而愉悦。
6 镜头
Margot出镜时正朝着镜头这边走来，将手上的烟头往画面右侧一掷，摄影机便跟着也摇了过去。
Eli从右边走来，入画后朝左看像Margot。二人走到拐角处，站定，在画面中左右对称。
而在Eli开始讲话时，摄影机逐渐朝Margot身后移去，越肩拍摄Eli说话的近景:
当Margot说话时，镜头转向Margot；Eli开始讲话时，相机又转回到Eli身上。
这个镜头，摆脱了一般对话拍摄的中景+两方特写这一固定程式，通过同一机位的摇移，使得整个画面都活了起来。只要镜头在运动，观众便能很好地跟随镜头的提示，以一种参与者的身份去聆听双方的对话，逐渐推进的镜头，也让画面更有趣味性，是在剧本以外的韦式幽默。
同样的镜头表现形式在《布达佩斯大饭店》中也能找到。在洗澡的镜头里，同一个机位也进行了大幅度的移动，从这头的房客到那头的酒店主人，让观众能感受到更强的对话感。
而Rickie在浴室里刮胡子一段镜头运用了跳切的剪辑手法，以在短时间内表现出做一件事情经过了较长时间，既表现出Richie焦躁不安的情绪，也使得叙事更加紧凑。
结语 价值观
《天才一族》传达出的核心思想一反它明丽的色调，其实是较为压抑和悲伤的。其中令人印象极深的一个情节，即Richie在得知暗恋多年的姐姐Margot情史相当丰富而内心崩溃、在浴室剃掉胡须割腕自杀时，看到冷色调的洗手台上，两只平摊的双手上几淙红色逐渐蔓延，呼吸在那一刹那一滞。韦氏试图通过高饱和度与明度的色调、秩序的构图以及严肃场合的戏谑言语传递给观众一个信息，便是在赤裸的人生真相面前，即使Margot和Richie最终还是无法明面上在一起，即使Royal死亡时只有Chas陪在身旁——即使我们无法改变许多既定事实，但至少生活留给我们了一尊鲜艳明媚的外壳，留给我们插科打诨的余地，留给我们一首在Margot走向Richie时的《These Days》。象征童年辉煌的Modecai在被尚年轻的Rickie放飞后，重又落回他的肩头。我想，这或许也预示了The Tenenbaums一家有所转机的关系吧。
是的，生活还会继续，生活常常乱作一团，但表面工夫还是得做——至少，从调高底色的饱和度与明度，将一团乱麻裹入缤纷而斑斓的糖纸，让它表面上看上去不那么糟糕开始。
-全文完-
4 ) 家庭对个人的影响
大概半个月之前看的《天才一族》，虽然电影本身是安德森一贯的稍微夸张的冷幽默风格，但是故事却让我感到很压抑。这种压抑又因为喜剧式的表现手法和故事悲剧内涵的冲突而无法得以发泄，直接把人憋出内伤。这和看周星驰电影时的感觉性质上类似。但是因为星爷电影太过无厘头，你完全可以无视那一点点严肃的剧情，把它完全当喜剧来看，等有心情的时候再去慢慢体会里面的人生道理。而安德森则是直接把血淋淋的人生摆在你面前，却不给你嚎啕大哭的机会。
其实这片子让我感触最深的不是某段剧情，而是家庭可以给一个人带来的影响。三个童年时名噪一时的孩子，最终因为家庭给各自带来的无解的难题而陷入迷茫的境地。虽然电影最后给了光明的结局，但是我们心里都清楚，破镜终究无法重圆。
家庭可以塑造一个孩子的价值观，更可以在感情上给孩子带来慰藉，或者伤害。而这种非理性的，感情的印记，往往成为未来人生重大决策的源动力。理智可以通过学习来培养，情感要怎样才能够成熟呢？根据我自己的感受，那如影随形的感情印记几乎无法克服，大概只能用一生来学习如何与之共处了吧。
5 ) These days
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终于要写一写这首歌了。最早听到这首歌还是在多年以前，一直觉得它很好听，是Nico第一个张个人专辑《Chelsea Girls》里面的重点曲目，不过并没有特别在意。6月份开始重新拾起吉他之后，重新偶遇这首歌，当即觉得可以弹。为了弹它，更加仔细地听，更加认真地看歌词，发现这是一首了不起的歌。进一步挖掘了一下背景，原来在欧美半流行界早就地位非凡。那一阵子对它简直着魔了，逐渐领悟到它每个音符每句歌词的妙处。上周又看了电影Royal Tenenbaum，里面使用了这首歌曲做插曲，Gwyneth Paltrow饰演的Margot走下机场大巴的一幕，走向她的弟弟也是彼此心底的爱人的瞬间，以极慢的慢镜头呈现，These Days突然响起，构成了这部电影里面的一个经典场景（见：http://www.youtube.com/watch?v=bl6FbeoXeHQ）。
这个场景是这样的：Margot走下机场大巴，弟弟Richie去机场迎接。他们是从小的玩伴，长大后心里的爱人。他们多年不见了（或许是Richie旅行了一年，一年没见，忘了具体时间了）。Margot缓缓走向Richie，迷人的脸庞露出难以捕捉的紧张的微笑——这是怎样的迷人呢，怎样的被风撩起的半长的金发，怎样的清澈的面庞，眼前怎样的飘过的烟雾，一切都静止了，绿色的机场大巴停着一动不动，一切背景都显得迟钝下来，时间静止下来，她缓缓地走向他——Richie表现得则更加紧张。同样对于一个紧张的表情，两位演员的处理分寸得当，互相对比又互相衬托。Margot表面是高傲甚至有些冷峻的，同时又无法隐藏内心的天真和纯爱，放荡不羁的她此时现出作为一个女人见到真正的爱人时的不安；Richie则是表面就紧张兮兮的，正应了后来Eli说的，Richie“病怏怏的”，他从始至终，紧张得一言未发。影片更多从Richie一方的角度写这份感情，Richie一直在明处，无论是他一开始写信给朋友说自己爱Margot还是后来参与调查Margot还是因为绝望而自杀，而Margot则是谜一样的人，一个古怪而放荡的人，一个迷人又能杀死男人的人。导演的视角决定了这个慢镜头瞬间两个演员对于惊喜和紧张的表演的处理方式。
接下来，镜头转向Margot的主观视角，Richie越来越近，Nico的唱词开始，是的，these days，这些日子里，我回顾着自己走过的路，也许错了，也许有后悔，我独自一人，坐在街边，沉思着过去，反省着自己。也许是我自己错了，也许是我受伤了。如此这般……影片在这个瞬间使用这首歌，大概还增加了these days，我在如何地想念你的意思。一瞬间内，分离的日子都成了可玩味的过去，爱的人终于在眼前，现在越来越近，这个慢镜头的瞬间，浓缩了Margot的相思。而迷一般的Nico与Margot的外形之相似，让我相信导演是从此获得灵感，从而选用了These Days这首歌。
Margot说：Stand up straight, let me get a look at you...And it's nice to see you, too. Richie一句话都没说，Margot哪里来的too呢，这大概就是这部影片有点神似伍迪·艾伦的语言幽默之处吧，也是姐弟之间的默契的幽默。
这个场景以两个人温暖的拥抱结束，然而故事没有结束，两个人距离真正相爱还很遥远，直到后来他们表白之时，还在说“you know what I mean”之类的捉迷藏语言。他们的状态是那种90%的确信，但是那10%却让人提心吊胆，对于爱情的确定与不确定，99%与1%的对比，总是实际上 50%和50%的对比，因为这是个二值判断问题。当观众看完影片的时候，回到Margot走下公车的微笑，才会事后诸葛亮一般地悟到，那是只有对唯一的爱人才会有的笑容，即使她从14岁逃学开始就已经放荡不羁了很多年。然而，如果当事人回到Margot走下公车的瞬间，面对她的微笑，仍然要徘徊在二值判断的折磨之中。
These Days是Jackson Browne在1965年他16岁时写就的一首歌。如果你听到Nico的版本，无法想像一个16岁的少年竟然可以写出这样一首歌。如果听到Jackson 自己的版本，就会知道，Nico的版本早就超过了原作圈定的内涵，这张由Bob Dylan、Jimmy Page等人制作的专辑早已经把这首只能算比较高水平的民谣作品升华到了另一个层次。拿著名的Vincent当个坐标，These Days的原作低于Vincent不少，Nico版本却高于后者很多。而These Days的吉他弹奏方式，则是接受了波普艺术大师Andy Wharhol的建议，这就不奇怪为什么Nico的These Days可以从原作变成另一个层次的伟大作品，并且继承了自从地下丝绒大香蕉专辑以来一直的审美取向——一种比迷幻更迷幻，比高贵更高贵，比忧伤更忧伤，比小资更小资然而实际上比本真更本真的远离装13的美学，一如Andy Wharhol的梦露头像和大香蕉封面所呈现的艺术风格，它与地下丝绒乐队的音乐一起，构成了对现代艺术影响深远，而本身并没有大红大紫，取得巨大商业成功的艺术流派。
包括Jackon Browne自己的版本，其他任何翻唱都没法望Nico版本之项背。为了这首歌，我专门置办了电吉他，弹的时候，感觉良多。首先，Nico被她一直跟随的 Lou Reed骂做不会唱歌，然而她的声线赋予These Days独一无二的内涵，这个独特的嗓音配上艰涩的德国式英文发音，完全把油腻的演唱技术撇到九霄云外，代之以不食人间烟火的气质。进一步，吉他的编配和音色也是不可复制，在浩如烟海的现代流行/摇滚音乐中，这个音色都不多见。当我拿到曲谱的时候，惊讶地看到，制造出如此忧伤意境的和弦竟然是大调三和弦 ——C和F，最多只使用了Em这样颇为常见的小调和弦。即使抽离了如泣如诉的弦乐，吉他伴奏仍然能撑起绝大部分的意境，不由得感叹编曲者的艺术感觉实在是超群。特别是，吉他的节奏简直可以撑得上欢快，最后两个小节突然产生变化，跳出来一个在C大调里比C和弦更明亮的G和弦，如此明亮欢快的编配，最后出来的是忧伤的效果，表达一个人带有后悔的悲伤的自省情绪，妙不可言，不可复制。在《Chelsea Girls》专辑中，即使更加精雕细琢的同名主打歌，也不及These Days光芒四射的灵感。
歌词我不需要写，几乎无可挑剔。最后一句"Please don't confront me with my failures, I had not forgotten them"，配上最后那个G和弦，让听众在已经如痴如醉的基础上再上台阶，是为全歌最亮点。
我经常在心里说，今天的世界，如此的浮躁、物质、无知，四五十年前发生的那些曾经是多么辉煌美丽。来到美国之后，有时候听到商店里在放Led Zeppelin，有时候看到二十岁出头的小伙子，像嬉皮士年龄段的老头子一样，翻唱60年代的歌曲，即使这些并不能掩盖他们的音乐一样走向日益的空洞，我想，他们的文化毕竟是承接下来的，不像天朝，近几十年经历了巨变，我的父辈听的是样板戏，后来旧的被打翻了，新的呢，拷贝别人还来不及，自己的文化远远不成气候，往往弄得四不像，无论是音乐还是各种艺术门类还是整个社会，只迅速地学到了堕落和丑陋，并且迅速超越了欧美师傅。这些，我在心里说，也会在嘴上说，然而，现在我已经厌倦了自己的这些陈词滥调。
6 ) 爱是比牙齿更坚硬的发声器官
有没有过这么一个早晨，面对爱人的争吵和泪水觉得无动于衷，只想蒙上被子倒头大睡；有没有过这么一个瞬间，面对电话那头父母的絮絮叨叨，只觉得百般烦躁，随口敷衍几句；有没有过这么一个洗手台滴着水的午夜，你站在镜子前，看着满脸疲倦的自己，觉得心脏上次跳动已经是好多年以前的事情？
有没有过这么一个早晨，面对爱人的争吵和泪水觉得无动于衷，只想蒙上被子倒头大睡；有没有过这么一个瞬间，面对电话那头父母的絮絮叨叨，只觉得百般烦躁，随口敷衍几句；有没有过这么一个洗手台滴着水的午夜，你站在镜子前，看着满脸疲倦的自己，觉得心脏上次跳动已经是好多年以前的事情？
你只能摊开两只手，说sorry，我真的没那么会爱，没那么勇敢。也许是从小时候那一次父母冤枉我偷拿了他们的钱开始 ，也许是从那一次恋人偷看我的手机开始，也许是从那次在洗手间隔壁听到好朋友讲自己坏话开始。
承认自己没那么博爱也不是什么耻辱的事，毕竟不是谁都能成为伟人，普度众生。就像这部《天才一族》里的人物一样，人人都有缺憾，人人都是神经病，人人都只爱自己，人人都背负一身伤痛。而痛苦，是比快乐更高级的冶炼。何种形式的美好记忆决定以何种方式修饰你的外在，而何种形式的痛苦回忆，却决定了以何种方式塑造你的内核，你的人格。童年决定成年，基因决定性格，性格决定一生。这个残忍刻薄的道理，在这部片子里被淋漓尽致地表现了出来。
影片中的特伦一家，老爸是个以自我为中心的撒谎精、自大狂，为了能和妻子复合，不惜假扮癌症，躺在床上装死；老大chas患有创伤后应激障碍和焦虑症，每天都活在朝不保夕的惊恐中；老二margot有严重的社交障碍和认知失调，无法建立正常的人际关系，自少女时代起就把自己裹在华丽冰冷的貂皮大衣下，手不离烟，在烟熏火燎中一遍遍灼烧麻木不仁的灵魂，企图唤回一丝人情味儿；老三richie有轻微的抑郁症，终日把自己包装在墨镜和满脸胡须下，萎缩在帐篷里等待凋零，等待被遗忘。
在三个孩子的成长过程里，“父亲”的席位一直是空缺的，而“母亲”，她是母亲，同时她又身兼数职，老师、经纪人、管家。。。。。。由“母亲”这一根衍生而来的各条“分支”疯狂生长，贪婪地汲取养分，逐渐本末倒置，名为“母亲”的根越埋越深，渐渐长眠于地下，再也找不到了。没有了根的树，枝条无论多茂盛，都不过是腐朽之前的欲盖弥彰，图一时盛景，得一世苍凉。爱在这个家停留的花期很短，锦绣过后，是急速的坠落、凋零、风化，最终隐入深沉大地，不见踪影。
三个孩子也许在各自的领域是天才，是强者，但在爱面前，天才与凡人同罪，都犯了一种叫做“懦弱”的罪。求爱不得，一而衰，二而竭，三而战败遁走，四而亡。他们害怕表现自己的爱，因为害怕失望，害怕鼓足勇气伸出的手会落空。他们彼此相爱，却又彼此背弃，像玩抢椅子游戏时输掉还耍赖的小朋友，脸别过去，坐在地上认认真真和别人赌气。但眼睛却时刻注意着战局，一旦发现了机会，就一个箭步冲过去 ，得意洋洋往椅子上一坐，好像屁股底下坐的不是椅子，是国王的宝座。无需仪式，只要有爱的加冕，他们便可自立为王。 爱之深，责之切。这“责”是自责的责，“切”是切肤之痛的切。一边对家人、爱人索求无度，一边对这样的自己厌恶透顶，扪心自问拿来要求他们做到的事，我又能做到多少呢。但一旦爱的供应方真的懈怠了，取而代之的不是如释重负，而是刻骨的痛。要么就把你的爱倾囊而出，我们一次性把爱做够，把酒喝光，把路走完，余生仅靠记忆便可虚度。为什么要断断续续，时冷时热，让我转念之间便是冰火两重天呢。
片中三个孩子对老爸“因伤归来”的态度或多或少都表现得有些冷漠，不是他们真的冷血无情，而是“父亲”这个重要位置在他们的生命里，缺席的时间太长了。爱也讲究一个天时地利人和，在恰当的时机，奉上恰当的爱，再施以浇灌，种子才能发芽，长大成材。而后知后觉的爱，往往都是以卵击石。你肩上扛了把短刀就想去攻进人家的城堡，到人家墙根下才发现，人家早在城墙上架起了十台大炮，随时准备给你来个夜空中最亮的星。
童年的伤痛记忆给三个孩子的成长打上了不可磨灭的印记，逐渐把他们变成了疑神疑鬼，爱无能，和不敢爱的人。Chas对两个儿子实施严格的管制，母亲当年犯的错误在他身上重蹈覆辙；margot整天泡在浴缸里，对一切都无动于衷，偷情对她来说只是别种形式的苟延残喘；richie花了多年时间才确定了自己对margot的爱，在得知margot和自己的朋友偷情后，一把剃须刀断了全部的念想。
电影里还有一个情节值得回味：margot的前夫派人调查她，侦探把一堆“罪证”给他看时，他翻了翻，半晌，才说出一句：“她抽烟。”短短三个字，道尽了婚姻里所有的悲愤、心痛、心灰意冷，和举重若轻之后的释然。原以为他和她之间的距离，只要通过努力就能百尺竿头更进一步，不想峰回路转之后，再回首来时路，才发现他们之间的鸿沟根本无法逾越。他还在起跑线跃跃欲试，她却已经站在领奖台上等着颁冠军奖杯了。正百思不得其解之际，裁判员过来很抱歉地跟你说，对不起哦，发给你的信息错了，比赛早在两个小时前就结束了。这场较量，他从一开始就被排除在选手的行列之外，眼巴巴地坐在候补 席上望眼欲穿，最后等来的是game over，各找各妈的无情通知。
然而在wes anderson的电影里，他从不会给人物真正的happy ending，但也舍不得给他们一个一无是处的悲情结局。就像他独树一帜的电影美学，色彩永远饱和鲜嫩，构图永远对称，画面永远整洁，情感永远蓬勃，男人永远是少年。井然有序之下，乱也乱得很有章法，尘归尘，土归土，各人的归各人，低头看着脚尖，每个人都已经站在了自己的岔路口上。就算这局牌你输了，没关系，他总有办法不动声色地把局给圆回来，尽量做到宾主同欢，两不相欠。那些因为爱千疮百孔的人啊，电影开始的时候还关在各自的小黑屋里与世隔绝，两个小时过后，啪，一片漆黑中突然亮起了一点烛火，虽微弱，却也足够照亮。
电影以一场意外百出的婚礼作为最后的高潮。看似是一桩混乱的闹剧，但静静看下来，每个人都为挽救这场婚礼发挥了自己独一无二的作用。就像人生，此一时，彼一时，行到水穷处，再抬头看看天，头顶的云已经变换了好几次位置。就算我们之间有无法逾越的隔阂，我们也依然是一家人，亲情的纽带在关键时刻，会变成强有力的绳子，牢牢把所有人联结在一起。每个人各司其职，在废墟之上重建阁楼。最后，混乱结束，婚礼照常举办，一切都恢复正轨，所有心结被打开，相爱的人同时向对方伸出了手。这一次，我不再害怕，哪怕你牵着我的手到半路上就会走掉，那至少剩下的这半路，我的手上还残留着你的体温不是吗。我们日复一日的相依为命，同时，也是无声地按响了离别的倒计时。和平相处，不遗余力去爱，便是最好的告别。
影片的最后，混蛋老爹去世了。好不容易圆满的家庭，又无端坏了一角。你问他们在剩下的日子是否还会勇敢去爱，不再畏惧？我不知道。我只知道，爱是比牙齿更坚硬的发声器官，百毒不侵，刀枪不入，就算有一万双手掐着它，一万个人挡在它面前，它也会无所畏惧，吐露真言。
7 ) I want this family to love me.
开篇（序章）几分钟的信息量极大让人目不暇接，展现Tenenbaum一家3个天才儿童的童年。一个经商、一个写作、一个网球，这样的配搭简直无可挑剔；但他们与父亲的关系其实已经决定了影片后来的发展：老爹在与大儿子同队时居然射击自己队友，此外他还偷大儿子的钱；老爹执意在每次介绍二女儿时强调其养女身份，又对她的处女剧作不屑一顾；老爹对小儿子的喜欢溢于言表，只带他去看斗狗。这个举止无常玩世不恭的老爹在三个孩子年少时就离家出走了，当他晚年良心发现想要重新挽回家庭的时候，可以想象三个孩子的反应：老大愤怒，老二麻木，老三欣喜。当然，小时了了的他们长大后也有各自的麻烦。老大中年丧妻后迟迟不能恢复，缺乏安全感控制欲极强；老二叛逆迷茫滥交行踪诡秘，习惯性撒谎是缺失认同感的体现；老三爱上了老二，却迫于伦理而不敢表露，于是精神崩溃自我放逐极度敏感甚至自杀未遂。其实，影片的核心无外乎还是血浓于水的亲情牌和重新认识自我摆脱过去阴影的老套路，但因为主角是这样一个人人神经质的天才一家，而有着更多反讽荒诞的色彩以及引人入胜的情节。作为悲喜剧，影片以一个充满闹剧的婚礼和随后的葬礼结束。老爹赢得了家人的认同，老妈收获了久违的爱情，大儿子渐渐走出自我，二女儿和小儿子则彼此坦露了心声。老爹在墓志铭上写着，“为从即将沉没的战舰残骸中拯救家人而英勇牺牲”，算是一半吹牛，一半写实吧。
在这部暖色调为主的电影中，虽然故事看起来充满忧伤，但导演想表达的仍是积极的心态，比如浪子回头金不换，比如善待家人，比如不要丧失信心，比如要有乐观的心态等。当然，童年对人一生的影响，也从片中可见一斑。
卡司很强大。Wilson兄弟已经是第三次出现在Wes Anderson的电影中了，其它像Anjelica Huston和Kumar Pallana都是御用演员。Gene Hackman展现了喜剧天赋，一座金球奖算是意外之喜。Ben Stiller这次却一脸严肃，倒也有模有样。Gwyneth Paltrow的烟熏妆很惊艳，她确实戏路广。Danny Glover的扮相据说来自前联合国秘书长安南，他本人还认识安南。还有Alec Baldwin的旁白，不说还真听不出来。
那只鹰飞回来时被认为白毛多了一些，因为那根本就是另一只鹰——原来那只在拍摄过程中被绑架了而且还被索要赎金！
Luke Wilson在片中为情自杀又被救活的情节，数年后在弟弟Owen Wilson身上不幸应验了。
8 ) 小的时候总是最好的时光
"Virtually all memory of the brilliance of the young Tenenbaums had been erased by two decades of betrayal, failure, and disaster."
背叛，失败，灾难，生活的磨砺接踵而至。父母逐渐苍老，不复当年风华，孩子长大变成了一个平凡甚至平庸的人，儿时因为未来的无限可能而带来的希望和憧憬感随着现实的延展而一步步消失。
Tenenbaum家的孩子们也无一例外——Chas因为意外亡妻而变得神经质，Richie和Margot则为姐弟相恋而颓废忧郁逃避。天才少年们耀眼的光芒褪去，生活的残忍面貌展现出来。
当然，在所有的影视作品中，家庭的力量一定能取得最终胜利，混蛋老爹一定会回心转意弥补愧疚，儿子的仇恨和误会也一定会在血脉亲情的温暖中融解，相爱的人们会吐露心迹互相鼓励，一家人最后一定会站在一起，虽然常常是在葬礼上。最后玩世不恭的老Royal也不忘在自己的墓碑上幽上一默。
还是会害怕，害怕父母的老去，害怕生活为我们准备的背叛、失败和灾难，害怕希望的泯灭，害怕一代一代的更迭。
但怎么办呢，这就是人生。
影片最后的音乐:
"We shall walk again
All along the lane
Down the avenue
Just like we used to
With our heads so high
Smile at passersby
And we will softly sigh
Ayayayaya"
C＋ / 开头惊艳之后向鸡汤一路狂奔。假如没有Wes的视听美学就和迈耶罗维茨的水平差不了多少。确实能感觉到导演掌控力上相比前作的进步，但还是不得不承认自己对美式中产家庭床边故事是越来越冷漠了。
安德森脑残粉不解释。卡司真完美...
以一种平淡多彩清新的影像和叙事，展现了家庭人际的多个面向，痛苦不再那样尖锐、理解成为可能、但较之一般的小清新又更深刻。这也许便是韦斯·安德森的长处吧。
确实有Glass家族的影子吧，还算让人释怀的结尾也蛮像祖伊打给弗兰妮的那通电话。。我觉得导演Wes Anderson很可爱。 另外不得不说摄影和原声都很赞。
精心布置的场景很适合刷 ins。Chas 的孩子，Margot 的烟，Richie 的鸟，感觉有些过，好像为有趣而有趣，看久好无聊。拆开精美的包装后，发现礼物就是这个精美的包装。
再高的智力、再成功的事业都无法填补精神的空洞，人类理应在宏大且变幻莫测的命运前保持谦逊。人生赢家亦会被心灵创伤与飞来横祸打倒，届时高歌猛进时的自高自大皆将化为尘埃，这也是为什么我们不能离开宗教、天伦之乐，以及成瘾物质等各种形式的心灵安慰。
我已经成为韦斯安德森的FAN了，OH YEAH
你有多大勇气面对过去？看看这个电影 释怀其实不难
1.可能是韦斯·安德森作品中最漫溢着创伤的一部，三个孩子手上的各式疮疤便表征着时时刻刻如影随形的伤痛，而心灵上的创伤与情感上的匮乏、挫败更缠绕着特伦鲍姆一家的所有成员——破碎的家庭与消逝的童年始终是韦斯电影逃不开的母题。2.过于早熟的孩子们vs. 如同长不大的顽皮自私小男孩的父亲，亦彰显出韦斯作品中孩童与成人、天真与老熟的错位。3.这些痛苦、创伤与错位，又被鲜艳到炽烈的暖色（全片唯一冷色场景便是Richie在盥洗池边试图自杀）、层出不穷的怪咖冷幽默、机械而古板的旁白与小说式分章叙事所冲淡或间离。4.大部分镜头为（超）广角镜头，加上2.39:1宽银幕，扭曲畸变与疏离之感横生。5.不少老歌金曲配乐，大加分。6.父亲尴尬拙劣的绝症谎言及其作用令人想及[我的美国舅舅]。7.女儿造型与黄帐篷二人场景似[月升王国]预演。（8.3/10）
我喜欢所有韦斯.安德森的怪胎电影！
美术还能再强点嘛？Wes Anderson是全宇宙心最细的导演
欣赏韦斯·安德森的电影是一种享受，仿佛翻开一本上世纪的童话绘本，匪夷所思的角色，忍俊不禁的对白和妙趣横生的故事，在极致考究的美术风格的包装下，佐以悦耳动听的旋律，所有的不快和惨痛，都被轻松幽默地化解了。
被韦斯安德森惹出的眼泪，全都是粉红色的。
维斯安德森的片子总是充满各种迷人的细节，让人心动。这也是格温妮丝帕特洛所有片子里面我最喜欢的一个角色啦。这种怪鸡的、表达方式诡异的小感情哟~><
前面的节奏还好，后面就坏了。到老三自杀或自杀未遂就应该停了，后面一大段有从高峰跌回平地的感觉。线索多了导演什么的也掌握不住了，有点纷乱，各条都仿佛说完了，各人又都没有进行到位。绵绵软软的片子，挠不到痒处，触不及痛处，还行。
友邻道这该译作做《屌丝之家》，不过我怎么觉得更像是Anti屌丝之家哈哈。我觉着这个片头（就像大卫芬奇非死不可中多少多少年后双胞胎怎么了基友怎么样了的终了旁白只不过反过来“多少多少年以前怎么怎么样”）相当非典型，开场与闭幕就算颠倒一下，结构也完全没问题。
这部电影让我难过了好多天。韦斯·安德森的运镜和剪辑都带着执拗，就是那种明明孤独却又不甘示弱的固执。每个人的哀伤都凝聚在眼睛周围。Margot回忆的段落惊心动魄，全都是亲吻，可就是难过得不行。生死、悲喜、智愚都不重要，他们记得的都是：我从来没有像厌恶自己一样厌恶过一个人。
依旧满是个人风格：放逐与新生，用安德森的方式讲一个塞林格的故事；只是，格调的小既是他的长处，或许也是他的桎梏。
一贯的怪咖和赞配乐。Margot那个角色太具个性而格温妮丝帕特洛的表演却浮于表面，不够叫人信服，致使角色让人觉得很讨厌。最后那段很慌张好吗！哈哈哈~（旁白Alec Baldwin
导演风格过于强烈，以至于剧情平淡无奇